Колонка Натальи Кульчицкой, дизайнера интерьера, историка искусства и дизайна, руководителя бюро NK Interiors
Сегодня дизайн — это не только способ мышления, но и инструмент решения многих проблем, которые меняют мир вокруг, делают его проще, понятнее и логичнее. Но зачастую именно дизайн формулирует проблему. В свежем интервью известного дизайнера Филиппа Старка изданию Dezeen мэтр сетует, что дизайн ушёл от своей изначальной идеи — быть демократичным и доступным для всех.
Мир действительно стремительно меняется, темпы смены трендов ускоряются. Мобильный и временный характер трендов в дизайне приобретается также и предметным наполнением пространства, которое устаревает очень быстро. Как это ни парадоксально, дизайн, ориентированный на абсолютное и вечное, выходит недолговечным. «Выбросить юбку — это 300 граммов ткани. Но диван длиной 4 метра, сделанный ради моды? Это не просто нелепо. Это токсично» (Philippe Starck for Dezeen).
Тревога Старка понятна, но ведь дизайн всегда был неразрывно связан с культурой потребления. Любые изменения в экономике влекут за собой изменения и в дизайне. Если ранее ключевым элементом экономики было сырьё, далее — продукт, затем — услуга, то теперь все говорят об экономике впечатлений. Кстати, об этом более 40 лет назад писал Жан Бодрийяр — известный французский философ, культуролог и теоретик постмодернизма. Он подчёркивал, что потребности ориентированы не столько на предметы, сколько на ценности, и что в процессе покупки функциональность объекта становится вторичной. Объект приобретает другое значение, связанное с культурной средой или социальными устремлениями.
Филипп Старк
Экономика впечатлений: ценность переживаний
Давно доказано, что позитивные эмоции делают нас намного счастливее, чем материальные блага. Маркетинговые исследования тоже говорят об этом. За последние годы в корне изменилось и понимание роскоши: реальную ценность имеют только те впечатления, которые меняют нас и приносят новые знания.
«Наша задача не продавать, а заставлять мечтать случайных прохожих», — замечает Антуан Плато, арт-директор витрин главного бутика Hermès на улице Faubourg Saint-Honoré. Ведь одна из визитных карточек этого бренда — уникальные витрины, которые создают для модного дома известные художники и дизайнеры уже много лет.
Дизайн всегда выступает как символ, так как он связывает людей между собой посредством творческой и практической вовлечённости и благодаря этому становится ценностью. А наибольшую прибыль получает тот, кто производит продукт, имеющий символическую ценность и тем самым приносящий удовольствие покупателю.
От символов к капиталу: как создаётся культурная стоимость
С точки зрения производства, символический капитал и символические ценности — родственные понятия. Можно привести очень наглядный пример из мира дизайна. Австралийский дизайнер Марк Ньюсон вошёл в историю дизайна как автор самого дорогого шезлонга в мире. Алюминиевая кушетка Lockheed Lounge была продана за 3,5 млн долларов на аукционе Phillips, установив мировой рекорд цен на предмет современного дизайна. Lockheed Lounge, по словам Ньюсона, — авторское прочтение кушетки мадам Рекамье на знаменитом портрете Жан-Луи Давида. Обтекаемая биоморфная форма — идеально гладкая, без швов — собрана из мелких листов алюминия на основе из усиленного фибергласс-пластика. Кстати, известность этот предмет получил после того, как появился в клипе на песню Rain, которую исполнила Мадонна. Итог: символическая ценность объекта превратилась в символический капитал, став весьма дорогим тотемом из мира дизайна.
IKEA регулярно выпускает совместные лимитированные коллекции со «звёздами дизайна»: Патрисия Уркиола давно сотрудничает с Calligaris и B&B Italia, Индия Мадави — с De Gournay и Nespresso, Джонатан Адлер работает в партнёрстве с H&M Home.
Не остаются в стороне от совместных проектов и российские бренды. Уже не первый год мы видим успешное сотрудничество предметного дизайнера Димы Логинова и платформы Divan.ru. Результат: коллекции современной мебели под именем известного дизайнера, которые усиливают звучание и бренда, и создателя.
Dantone Home продолжает сотрудничество с европейскими авторами: в этом году он представил коллекцию мебели Harry с рифлёными фасадами, созданную лондонским дизайнером Гарри Батчелором.
Для бренда Modenature столик Plume, изготовленный из дуба в двух десятках оттенков, разработал дизайнер Александр Белобородов.
Искусство и мода: масштабные иммерсивные высказывания
Но бренды сотрудничают не только с известными дизайнерами, но и с художниками. Португальская художница Джоана Васконселос не так давно создала масштабную калейдоскопическую инсталляцию для показа Dior, который проходил в рамках Недели моды в Париже. Шоу состоялось в специально построенном сооружении в саду Тюильри: аморфная разноцветная скульптура под названием Valkyrie Miss Dior растянулась по всей его площади, образуя серию волнообразных объёмов над подиумом. 24-метровая инсталляция выполнена полностью вручную — так, художница использовала 20 видов ткани, задействованных в новой коллекции модного дома. По словам бренда, масштаб и смелый визуальный характер получившейся красочной скульптуры контрастируют с «традиционно женскими» ремесленными техниками, к которым обратилась Васконселос, — например, вязанием крючком и вышивкой.
Кроме коллабораций, в дизайне и искусстве присутствует и коммуникация. В дизайне коммуникация всегда чётко настроена на решение задачи, а в искусстве завуалирована и связана с эмоциями и личным восприятием зрителя.
Дизайн vs. искусство: что объединяет и отличает
Следуя цели создания впечатлений, дизайн в настоящее время находится в успешном тандеме с искусством. Рождается синергия, которую мы видим как на неделях дизайна, где экспонируется искусство, так и в галереях, где экспонируется дизайн. Для того чтобы говорить о теме влияния искусства на дизайн, необходимо определить, чем они отличаются друг от друга. В отличие от дизайна, искусство концептуально; дизайн же в первую очередь следует функции. Хотя теперь дизайн зачастую уступает в утилитарности, уделяя больше внимания эмоциональному и чувственному аспекту.
Дизайнеры обращаются к художественным приёмам, ставят не просто задачи, как принято в проектной деятельности, а продумывают концепцию, где образ или впечатление могут занять место важнее, чем утилитарность.
Давайте же на примере Миланской недели дизайна и выставки Salone del Mobile 2025 рассмотрим, как создаётся здоровый тандем дизайна и искусства. Есть непосредственно сама выставка, а есть галереи дизайна и искусства, которые на время Недели готовят свои проекты и создают пространства-миры с определённой тематикой-посылом, который олицетворяют в своих работах художники и дизайнеры.
ALCOVA
Alcova: город в движении
Одной из главных площадок Fuorisalone является ALCOVA. Платформа, созданная в 2018 году студиями Space Caviar и Studio Vedèt с целью представить работы дизайнеров, которые не соответствуют шаблону мебельной ярмарки Salone del Mobile или какой-либо из ранее существовавших групповых выставок Fuorisalone, работает как передвижная сеть выставочных пространств в разных частях города. В качестве площадок организаторы часто выбирают заброшенные места, имеющие историческое значение, тем самым привлекая к ним внимание общественности. Её основатели — Джозеф Грима и Валентина Чуффи — говорят, что этот кочевой подход является ключом к поддержке радикальных молодых дизайнерских талантов.
«Одним из источников вдохновения для всего проекта послужило изображение города в движении», — сказал Грима.
«В каком-то смысле я думаю, что Alcova — это своего рода Новый Вавилон, который активируется раз в год, мобильное кочевое племя, которое перемещается из одного места в другое».
Грима и Чуффи считают, что их кочевой подход позволит Alcova оставаться доступной для новых талантов, помогая ей оставаться актуальной в будущем.
В качестве ещё одного прекрасного симбиоза дизайна и искусства стали галереи коллекционного дизайна. Одной из самых влиятельных является миланская Nilufar Gallery. Галереей владеет известный в Милане арт-дилер Нина Яшар. В 1979 году иранка по происхождению открыла салон по продаже восточных ковров. В конце 90-х она стала заниматься модернистской мебелью и коллекционировать антиквариат. Когда коллекция превысила 3000 экспонатов, в 2015 году Нина открыла галерею Nilufar в Милане. Манифест галереи: «Открой. Пересеки. Создай!» Она участвовала в нескольких изданиях PAD в Париже и ежегодно в Design Miami/Basel.
Российский коллекционный дизайн: авторы и площадки
В нашей стране арт-галереи и галереи коллекционного дизайна переняли принципы и критерии коллекционного дизайна, сложившиеся за первые годы XXI века в Европе и Америке. Помимо редких коллекционных предметов итальянского и французского модернизма 50–70-х годов XX века, российские галереи представляют и работы отечественных дизайнеров.
Russian Collectible — это изделия-уникаты, созданные в единственном экземпляре или ограниченным тиражом. Благодаря таким выставкам-ярмаркам, как Cosmosnow, АРТ-Москва, PAD Paris, многие российские авторы получили большое признание в России и за рубежом. Среди них — Тарас Желтышев, Григорий Масленников, Ксения Брейво, Дарья Белякова, Денис Милованов, Антон Яшигин, Александр Раев, Иван Басов и Семён Лавданский.
Музей Pinault Collection
Pinault Collection: когда музей — это опыт
Если же продолжить говорить об искусстве, то в Париже в здании бывшей Торговой биржи в 2021 году открылся новый музей современного искусства — Pinault Collection — коллекция миллиардера, владельца аукционного дома Christie’s и основателя люксовой группы Kering Франсуа Пино.
Музей расположился в самом сердце Парижа — в 500 метрах от Лувра и в километре от Центра Жоржа Помпиду. Нет более идеального места, чтобы показывать одну из самых богатых коллекций современного искусства — она уже превосходит 10 тыс. экземпляров, а её общую стоимость оценивают в 1,5 млрд евро. Под стеклянным куполом ротонды было решено установить скульптуры-свечи швейцарца Урса Фишера: по центру — самая известная четырёхметровая восковая копия «Похищения сабинянок» Джамболоньи, а вокруг неё — пародии на все виды стульев: от офисных на колёсиках до пластиковых садовых Monobloc, самых популярных в мире.
В этом музее важно было не только разместить предметы искусства и дизайна в пространстве, но и само пространство преобразовать в предмет искусства, настроить зрителя не только на созерцание, а предложить пережить настоящий иммерсивный акт причастности к великим произведениям.
«Потребители выбирают впечатления, а не товары. Причём производители легко монетизируют эти впечатления». Это цитата из книги Джозефа Пейна «Экономика впечатлений», изданной на 15 языках с тиражом более 300 000 экземпляров. «Вот любопытный пример — тематический парк Ferrari World Abu Dhabi. Его посещают миллионы человек в год. И компания Ferrari зарабатывает на парке значительно больше, чем на продаже автомобилей» (Д. Пейн, «Экономика впечатлений»).
Подводя итог темам, затронутым в статье, хочется отметить, что любой современный арт-объект или объект дизайна должны находиться в русле общих мировых трендов, иметь непревзойдённое качество, обладать уникальным визуальным кодом и собственной философией. Только в этом случае предмет обретёт не только символическую ценность, но и символическую стоимость, при этом подарив потребителю чувственный опыт и трансформирующие впечатления.
